domingo, 19 de junio de 2016
Igualdad de género en la escuela #niunamenos
from Escuela No 4 JTZ
Video sobre igualdad de género y no discriminación realizado con ilustraciones y gráficos creados por alumnos de 4to A, B, C y 5to B -turnos mañana y tarde- de la Escuela No 4 JTZ.
viernes, 10 de junio de 2016
Isabel Sarli
Isabel Sarli y Armando Bó son referentes de la industria cinematográfica argentina. Nadie, en el mercado latinoamericano, distribuyó tantas copias como ellos -de sus treinta largometrajes-. Su éxito internacional se extendió desde 1965 hasta 1980.
Mayoritariamente son películas de contenido melodramático y erótico, realizadas siempre en escenarios naturales; en sus guiones exaltaban valores sociales -locales y populares-, en algunos títulos hacen referencia a sucesos políticos, como es el caso de "El Trueno entre la Hojas" (1958) y "Sabaleros" (1959), ambas guionadas por el célebre escritor paraguayo Augusto Roa Bastos -(hoy son consideradas películas "de culto" por críticos y estudiosos de la historia del cine)-. Los films de Sarli y Bó también hacen referencia a la solidaridad, a la amistad y a la cultura del trabajo.
Isabel Sarli se consagró como Miss Argentina en 1955 y fue considerada una diva del cine látino de la época. Se publicaron notas sobre ella -con fotos de página completa- en revistas especializadas en cine de EEUU y Europa durante los primeros años de la década del sesenta. En Argentina la crítica de su época los descalificó por considerarlos "pornográficos". Aun mucha gente considera, erróneamentente, que la cinematografía realizada por Sarli y Bó es menor o "Clase B".
Isabel Sarli fue -y sigue siendo- una artista y ciudadana argentina muy moderna para su época: fue el primer símbolo sexual de la industria cinematográfica latinoamericana, algo quizás demasiado duro de aceptar -o comprender- para una sociedad tradicionalista, patriarcal y moralista como es la nuestra (el rol de Sarli, en las ficciones creadas y dirigidas por Bó, cuestiona severamente el estereotipo femenino de la época).
"La Coca" es una estrella de cine internacional, pero jamás perdió su sencillez, su humildad, su profunda amistad con los trabajadores de la industria de cine y su amor incondicional por su compañero de toda la vida, a quien perdió años atrás.
Buscar datos biográficos de Isabel Sarli y Armando Bó. Detectar el impacto de la filmografía de Bó en la cultura popular latinoamericana. Buscar información sobre Hugo del Carril y el cine social en Argentina.
Nota de Diego Curubeto [publicada originalmente en Página 12] sobre el cine de Sarli y Bó.
Mayoritariamente son películas de contenido melodramático y erótico, realizadas siempre en escenarios naturales; en sus guiones exaltaban valores sociales -locales y populares-, en algunos títulos hacen referencia a sucesos políticos, como es el caso de "El Trueno entre la Hojas" (1958) y "Sabaleros" (1959), ambas guionadas por el célebre escritor paraguayo Augusto Roa Bastos -(hoy son consideradas películas "de culto" por críticos y estudiosos de la historia del cine)-. Los films de Sarli y Bó también hacen referencia a la solidaridad, a la amistad y a la cultura del trabajo.
Isabel Sarli se consagró como Miss Argentina en 1955 y fue considerada una diva del cine látino de la época. Se publicaron notas sobre ella -con fotos de página completa- en revistas especializadas en cine de EEUU y Europa durante los primeros años de la década del sesenta. En Argentina la crítica de su época los descalificó por considerarlos "pornográficos". Aun mucha gente considera, erróneamentente, que la cinematografía realizada por Sarli y Bó es menor o "Clase B".
Isabel Sarli fue -y sigue siendo- una artista y ciudadana argentina muy moderna para su época: fue el primer símbolo sexual de la industria cinematográfica latinoamericana, algo quizás demasiado duro de aceptar -o comprender- para una sociedad tradicionalista, patriarcal y moralista como es la nuestra (el rol de Sarli, en las ficciones creadas y dirigidas por Bó, cuestiona severamente el estereotipo femenino de la época).
"La Coca" es una estrella de cine internacional, pero jamás perdió su sencillez, su humildad, su profunda amistad con los trabajadores de la industria de cine y su amor incondicional por su compañero de toda la vida, a quien perdió años atrás.
Buscar datos biográficos de Isabel Sarli y Armando Bó. Detectar el impacto de la filmografía de Bó en la cultura popular latinoamericana. Buscar información sobre Hugo del Carril y el cine social en Argentina.
Nota de Diego Curubeto [publicada originalmente en Página 12] sobre el cine de Sarli y Bó.
Brigitte Bardot
Brigitte Bardot es sinónimo de Francia antes que el nombre de una actriz y cantante o una leyenda del cine (ella siempre será una célebre ciudadana de Saint Tropez, un pueblito de pescadores de la Costa Azul, en el Mar Meditarráneo). BB se burlaba de Hollywood y de casi todo todo lo que viniera de los EEUU (sin embrago, sus fans norteamericanos aun dicen que ella es la "Marilyn Francesa"). Brigitte Bardot formó parte de un grupo de actrices referentes del movimiento cinematografico conocido como "Nouvelle Vague" (nueva ola) que renovó el cine europeo de los años sesenta y cuyas influencias estéticas llegan hasta el presente.
La figura de Brigitte Bardot cumple una doble función simbólica -no solo es un icono de Francia, también es un ícono sexual. Algo similar a lo que ocurre con otro icono de la cultura popular, como lo son los británicos Beatles; la diferencia entre ambos iconos culturales europeos es que la rubia apelaba a su sensualidad y a sus largas piernas para imponerse visualmente. -si el cuarteto de Liverpool fue "el rey" de la industria discográfica global, en esa misma época BB fue "la reina" de la industria cinemátográfica europea, en su mejor momento -durante los años 60´- (momento que coincide con el auge de un cine comercial mediocre, realizado masivamente en los estudios de Hollywood).
La Sra Bardot tiene millones de fans de paises tan distintos como Japón, Chile o Canadá (mayoritariamente, no son jóvenes ni usan Snapchat).
Buscar datos biográficos y filmográficos de BB y sobre directores y actrices de la tendencia cinematográfica francesa denominada "Novelle Vague".
Siguiendo el enlace ubicado al final de este texto, encontrarán un video de BB cantando un tema "pop psicodélico", ilustrado por imágenes de sus exitosas comedias de los años sesenta.
https://youtu.be/1hdpcAoaC7M
La figura de Brigitte Bardot cumple una doble función simbólica -no solo es un icono de Francia, también es un ícono sexual. Algo similar a lo que ocurre con otro icono de la cultura popular, como lo son los británicos Beatles; la diferencia entre ambos iconos culturales europeos es que la rubia apelaba a su sensualidad y a sus largas piernas para imponerse visualmente. -si el cuarteto de Liverpool fue "el rey" de la industria discográfica global, en esa misma época BB fue "la reina" de la industria cinemátográfica europea, en su mejor momento -durante los años 60´- (momento que coincide con el auge de un cine comercial mediocre, realizado masivamente en los estudios de Hollywood).
La Sra Bardot tiene millones de fans de paises tan distintos como Japón, Chile o Canadá (mayoritariamente, no son jóvenes ni usan Snapchat).
Buscar datos biográficos y filmográficos de BB y sobre directores y actrices de la tendencia cinematográfica francesa denominada "Novelle Vague".
Siguiendo el enlace ubicado al final de este texto, encontrarán un video de BB cantando un tema "pop psicodélico", ilustrado por imágenes de sus exitosas comedias de los años sesenta.
https://youtu.be/1hdpcAoaC7M
Marilyn Monroe
La figura de Marilyn trasciende la industria del entretenimiento y referencia el origen de la "cultura pop" a finales de los años cuarenta. Una infancia difícil -que incluyó abusos sexuales-, dos fracasos matrimoniales y un amante presidente de la nación; todos estos factores "sociales" integraron un poderoso cóctel, que, mezclado con sedantes y fármacos, terminaron con la vida de la rubia más famosa de Hollywood (siempre hubo rumores acerca de otros "verdaderos motivos" de su fallecimiento).
La historia de la vida y la figura de Marilyn Monroe fueron usadas en cientos de películas, en miles de programas de televisión, en la industria musical, en la industria web -a partir del tercer milenio- y en las artes plásticas; también fue -y sigue siendo- tributada por celebridades de la industria cinematógrafica de distintos paises del mundo, no solo de EEUU.
Ejercitación: Buscar datos biográficos y filmográficos. Realizar una ilustracion sobre la figura de MM.
La historia de la vida y la figura de Marilyn Monroe fueron usadas en cientos de películas, en miles de programas de televisión, en la industria musical, en la industria web -a partir del tercer milenio- y en las artes plásticas; también fue -y sigue siendo- tributada por celebridades de la industria cinematógrafica de distintos paises del mundo, no solo de EEUU.
Ejercitación: Buscar datos biográficos y filmográficos. Realizar una ilustracion sobre la figura de MM.
10/6 Día de la afirmación de los derechos argentinos en las Islas Malvinas
Alumnas de 6to B realizando una ilustración alusiva a la fecha en el pizarrón del primer piso.
martes, 7 de junio de 2016
lunes, 6 de junio de 2016
La industria cinematográfica
El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando una película (film, o filme). La palabra «cine» también designa a las salas de cine en las cuales se proyectan las películas. El cine es considerado un arte.
La historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente una película que contenía imágenes de la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto. En un año, los hermanos Lumière crearon más de 10 películas, marcadas por la ausencia de actores, el uso de decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara.
Sin embargo, fue George Méliès quien inventó el espectáculo cinematográfico, en contraste con el tono documental de las películas de los hermanos Lumière. Con historias y decorados fantásticos, como "Fausto" y "Barba Azul"(1901), desarrolló las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la luna (1902) y con Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que mejorar la calidad, con innovaciones tecnológicas y artísticas. En Estados Unidos se empezaron a realizar películas de aventuras y dramas románticos.
Las películas de mayor repercusión fueron fruto de la escuela cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Sennett, basada en la estereotipación de figuras sociales como el policía o el gordo, el avaro y el bigotudo burgués. Hasta la década del 20 todas las películas eran mudas. En este periodo recordamos especialmente a directores como Buster Keaton y a Charles Chaplin. En 1927, se estrenó la primera película con sonido, titulada El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía hasta entonces dejó de existir (con la incorporación del sonido, el cine desarrolló un lenguaje narrativo similar al que se usa en la actualidad). En ese mismo año apareció el doblaje (una técnica que permite cambiar el idioma original de la película o otros idiomas, para lograr una comercialización más extendida) .
Hasta la década del treinta todas las películas se filmaban en blanco y negro. En 1935 se filmó por primera vez con la técnica denominada “Technicolor” la película titulada La feria de la vanidad de Rouben Mamoulian; aunque el color recién consiguió su plenitud artística en 1939, con el film norteamericano Lo que el viento se llevó. La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París, el 2 de febrero de 2000. Los géneros cinematográficos son una forma de clasificar a las películas en grupos. Cada género está formado por películas que comparten ciertas similitudes, ya sea en su estilo, su temática, su intencionalidad, su forma de producción o el público al que van dirigidas.
Atendiendo a su forma de producción y su intencionalidad, cabe distinguir géneros como los siguientes: 1. El Cine comercial es el que produce películas orientadas a audiencias masivas con el objetivo de generar beneficios económicos como objetivo principal. A esta categoría pertenecen la mayoría de las películas que se proyectan en las salas de cine, y algunas de ellas son promocionadas mediante grandes campañas de publicidad. Hollywood, una localidad de Los Angeles (EEUU), es el epicentro de la industria cinematográfica global. 2. El Cine independiente es el que produce películas de bajo presupuesto, realizado por pequeñas productoras cinematográficas, con una intencionalidad estrictamente artística. 3. El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad. El artista norteamericano Walt Disney es pionero del cine de animación. 4. El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. 5. El concepto cine de autor fue acuñado por los críticos para referirse a un tipo de cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guion propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine realizado en los grandes estudios comerciales, lo cual permite una mayor libertad a la hora de plasmar ideas e inquietudes en la película. El director inglés Alfred Hitchcock, como el director italiano Federico Fellini, pueden ser considerados «autores» de sus películas.
El cine nació a finales del siglo XIX como consecuencia de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière, pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el kinetoscopio, artefacto inventado por Thomas Alva Edison (y que también hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar imágenes en movimiento).
Edison inventó el formato cinematográfico denominado 35 mm, sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato -y los de ancho superior- devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros formatos empleados por cineastas, como 16 mm, 9,5 mm, Súper 8, etc.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 los estudios se vieron obligados a utilizar formatos de pantalla ancha de menor amplitud para bajar sus costos, pero fue hasta comienzos de los años 50, ante la arrolladora irrupción de la televisión, que los estudios volvieron a utilizar relaciones de aspecto mayores. En 1953, la cadena FOX lanzó uno de los procesos de creación de formato de pantalla ancha más: el Cinemascope, el antecesor del sistema que hoy conocemos por Panavisión, el más utilizado hoy en día (el legado que sobrevive hasta nuestros días es la pantalla ancha o panorámica).
Trabajo Práctico
1.Buscar el significado de las siguientes palabras: a- Fotograma, b. Montaje, c. Estereotipo (estereotipación), d. Doblaje, e. Technicolor, f-Puesta en Escena, g- Kinetoscopio
2. Buscar información sobre los siguientes directores: a- Buster Keaton, b. Charlie Chaplin, c- Walt Disney, d- Alfred Hitchcock, e-Federico Fellini
3. Cuestionario a. Establezca las diferencias entre el concepto “espectáculo cinematográfico” (relacionado con las películas de George Méliès) y las películas documentales, realizadas por los hermanos Lumiere.
b. Qué entiende por doblaje?
c. Mencione los géneros cinematográficos citados en el texto.
d. Mencione los formatos utilizados en la industria cinematográfica
4. Ilustración
Realice una ilustración relacionada con alguno de los conceptos que aparecen en el texto
*
La historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente una película que contenía imágenes de la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto. En un año, los hermanos Lumière crearon más de 10 películas, marcadas por la ausencia de actores, el uso de decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara.
Sin embargo, fue George Méliès quien inventó el espectáculo cinematográfico, en contraste con el tono documental de las películas de los hermanos Lumière. Con historias y decorados fantásticos, como "Fausto" y "Barba Azul"(1901), desarrolló las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la luna (1902) y con Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que mejorar la calidad, con innovaciones tecnológicas y artísticas. En Estados Unidos se empezaron a realizar películas de aventuras y dramas románticos.
Las películas de mayor repercusión fueron fruto de la escuela cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Sennett, basada en la estereotipación de figuras sociales como el policía o el gordo, el avaro y el bigotudo burgués. Hasta la década del 20 todas las películas eran mudas. En este periodo recordamos especialmente a directores como Buster Keaton y a Charles Chaplin. En 1927, se estrenó la primera película con sonido, titulada El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía hasta entonces dejó de existir (con la incorporación del sonido, el cine desarrolló un lenguaje narrativo similar al que se usa en la actualidad). En ese mismo año apareció el doblaje (una técnica que permite cambiar el idioma original de la película o otros idiomas, para lograr una comercialización más extendida) .
Hasta la década del treinta todas las películas se filmaban en blanco y negro. En 1935 se filmó por primera vez con la técnica denominada “Technicolor” la película titulada La feria de la vanidad de Rouben Mamoulian; aunque el color recién consiguió su plenitud artística en 1939, con el film norteamericano Lo que el viento se llevó. La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París, el 2 de febrero de 2000. Los géneros cinematográficos son una forma de clasificar a las películas en grupos. Cada género está formado por películas que comparten ciertas similitudes, ya sea en su estilo, su temática, su intencionalidad, su forma de producción o el público al que van dirigidas.
Atendiendo a su forma de producción y su intencionalidad, cabe distinguir géneros como los siguientes: 1. El Cine comercial es el que produce películas orientadas a audiencias masivas con el objetivo de generar beneficios económicos como objetivo principal. A esta categoría pertenecen la mayoría de las películas que se proyectan en las salas de cine, y algunas de ellas son promocionadas mediante grandes campañas de publicidad. Hollywood, una localidad de Los Angeles (EEUU), es el epicentro de la industria cinematográfica global. 2. El Cine independiente es el que produce películas de bajo presupuesto, realizado por pequeñas productoras cinematográficas, con una intencionalidad estrictamente artística. 3. El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad. El artista norteamericano Walt Disney es pionero del cine de animación. 4. El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. 5. El concepto cine de autor fue acuñado por los críticos para referirse a un tipo de cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guion propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine realizado en los grandes estudios comerciales, lo cual permite una mayor libertad a la hora de plasmar ideas e inquietudes en la película. El director inglés Alfred Hitchcock, como el director italiano Federico Fellini, pueden ser considerados «autores» de sus películas.
El cine nació a finales del siglo XIX como consecuencia de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière, pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el kinetoscopio, artefacto inventado por Thomas Alva Edison (y que también hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar imágenes en movimiento).
Edison inventó el formato cinematográfico denominado 35 mm, sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato -y los de ancho superior- devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros formatos empleados por cineastas, como 16 mm, 9,5 mm, Súper 8, etc.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 los estudios se vieron obligados a utilizar formatos de pantalla ancha de menor amplitud para bajar sus costos, pero fue hasta comienzos de los años 50, ante la arrolladora irrupción de la televisión, que los estudios volvieron a utilizar relaciones de aspecto mayores. En 1953, la cadena FOX lanzó uno de los procesos de creación de formato de pantalla ancha más: el Cinemascope, el antecesor del sistema que hoy conocemos por Panavisión, el más utilizado hoy en día (el legado que sobrevive hasta nuestros días es la pantalla ancha o panorámica).
Trabajo Práctico
1.Buscar el significado de las siguientes palabras: a- Fotograma, b. Montaje, c. Estereotipo (estereotipación), d. Doblaje, e. Technicolor, f-Puesta en Escena, g- Kinetoscopio
2. Buscar información sobre los siguientes directores: a- Buster Keaton, b. Charlie Chaplin, c- Walt Disney, d- Alfred Hitchcock, e-Federico Fellini
3. Cuestionario a. Establezca las diferencias entre el concepto “espectáculo cinematográfico” (relacionado con las películas de George Méliès) y las películas documentales, realizadas por los hermanos Lumiere.
b. Qué entiende por doblaje?
c. Mencione los géneros cinematográficos citados en el texto.
d. Mencione los formatos utilizados en la industria cinematográfica
4. Ilustración
Realice una ilustración relacionada con alguno de los conceptos que aparecen en el texto
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